Matthias & Maxime (2019)

 

Título original: Matthias & Maxime

Direção: Xavier Dolan

Sinopse: Matt e Max, dois amigos de infância se beijam para um curta-metragem amador. Após este beijo aparentemente inocente, surge uma dúvida recorrente, perturbando o equilíbrio do seu círculo social e das suas vidas.

Dirigido por Xavier Dolan, um dos nomes mais prolíficos e autorais do cinema contemporâneo, "Matthias & Maxime" (2019) é uma obra que carrega muitos dos temas e traços estilísticos que marcaram a filmografia do diretor. Dolan explora questões como identidade, sexualidade, amizade e a complicada transição da juventude para a vida adulta, temas centrais em sua trajetória artística. Contudo, ao contrário de trabalhos anteriores que foram recebidos com entusiasmo e aclamação crítica, como "Mommy" (2014) e "Eu Matei Minha Mãe" (2009), "Matthias & Maxime" parece vacilar em seu propósito, resultando em uma narrativa que, embora carregada de boas intenções, não atinge todo o impacto emocional que se espera.

A trama gira em torno de Matthias (Gabriel D’Almeida Freitas) e Maxime (interpretado pelo próprio Dolan), dois amigos de longa data que, durante uma reunião casual de amigos, são desafiados a participar de um curta-metragem estudantil. A cena filmada inclui um beijo entre os dois, que desencadeia uma série de questionamentos internos e externos, especialmente sobre a natureza de sua amizade e a própria sexualidade de Matthias, que até então se via em um relacionamento heterossexual.

Embora a premissa seja provocante e cheia de potencial, a execução deixa a desejar em alguns momentos. O filme se propõe a explorar o impacto de uma descoberta tardia de sentimentos em uma relação masculina aparentemente sólida, mas a narrativa muitas vezes se perde em digressões que enfraquecem a força emocional do enredo principal. As tensões entre os protagonistas, ao invés de se tornarem mais densas e complexas à medida que o filme avança, ficam diluídas por cenas que não parecem contribuir para o desenvolvimento dos personagens de forma significativa.

Tecnicamente, "Matthias & Maxime" exibe a sensibilidade estética característica de Dolan. As composições de cena são cuidadosamente planejadas, com o uso vibrante de cores e ângulos ousados que já se tornaram marcas registradas do diretor. O estilo visual do filme é inegavelmente belo e muitas vezes reforça o sentido de isolamento e confusão experimentado pelos personagens. A direção de arte e o uso de iluminação natural conferem um realismo sensível, equilibrado com momentos de saturação emocional, típicos da obra de Dolan.

Entretanto, a estética forte e detalhada, embora agradável aos olhos, em alguns momentos parece sobrepor-se à narrativa, como se o filme estivesse mais preocupado em ser visualmente marcante do que em construir uma história emocionalmente coesa. Há cenas em que o simbolismo visual é tão denso que obscurece a simplicidade dos sentimentos que Dolan tenta retratar, algo que se encaixaria melhor em um filme mais contemplativo e menos dramático.

As atuações em "Matthias & Maxime" são, em sua maioria, consistentes, mas é nas performances dos dois protagonistas que reside tanto a força quanto a fraqueza do filme. Gabriel D’Almeida Freitas traz uma interpretação sutil e introspectiva para Matthias, capturando bem a angústia de um homem dividido entre sua vida familiar, seu futuro e a redescoberta de um sentimento que não sabe como lidar. Dolan, por sua vez, é eficaz como Maxime, um personagem que é mais emocionalmente aberto, mas que também carrega seus próprios fardos, como uma difícil relação com sua mãe abusiva e seus planos de deixar o país.

No entanto, apesar da competência técnica dos atores, a química entre Matthias e Maxime, crucial para que o público se envolva emocionalmente com o dilema central, não é tão convincente quanto deveria ser. Faltam momentos verdadeiramente carregados de tensão e ambiguidade entre os dois, o que faz com que o impacto de suas ações e decisões seja sentido de maneira menos intensa. A complexidade da relação entre amigos que, possivelmente, sentem algo mais, não é explorada de maneira tão profunda quanto poderia, deixando o espectador esperando por uma catarse emocional que nunca chega completamente.

O roteiro de Dolan tenta balancear os diálogos espirituosos e as interações naturais entre os amigos com momentos de introspecção e silêncio, mas o resultado é um ritmo irregular. O filme tem passagens que flertam com o tédio, especialmente na primeira metade, onde a ação parece se arrastar sem grandes avanços narrativos. As conversas entre o grupo de amigos, embora realistas e às vezes engraçadas, parecem muitas vezes desconectadas do conflito emocional de Matthias e Maxime, o que compromete a fluidez do enredo.

O terceiro ato do filme, onde esperávamos uma resolução mais impactante ou esclarecedora para os sentimentos dos protagonistas, é onde o filme mais se distancia de seu potencial. A conclusão parece abrupta, com os arcos dos personagens principais ficando aquém do desenvolvimento emocional necessário para que o público se sinta verdadeiramente conectado à história.

Um ponto forte em "Matthias & Maxime" é a trilha sonora, cuidadosamente escolhida para amplificar as emoções que o filme busca retratar. Dolan sempre demonstrou habilidade em casar a música com a imagem de maneira envolvente, e aqui não é diferente. Canções melancólicas e momentos de silêncio são bem utilizados para refletir o estado emocional dos personagens, com destaque para as músicas que acompanham os momentos mais introspectivos de Maxime.

"Matthias & Maxime" é um filme que se beneficia da sensibilidade visual de Xavier Dolan e das performances sólidas de seu elenco, mas peca por não alcançar a profundidade emocional que sua premissa sugere. O que poderia ser uma análise poderosa e íntima da fluidez da amizade e do desejo entre dois homens, acaba ficando preso em escolhas narrativas que não exploram totalmente o conflito interno de seus personagens.

Dolan mostra, mais uma vez, seu talento para criar imagens belas e cenas que parecem encapsular a angústia da juventude, mas, neste caso, a beleza estética não é o suficiente para compensar as falhas de um roteiro que carece de foco e de impacto emocional. É um filme que se aproxima de algo verdadeiramente especial, mas que, no fim, parece hesitar em dar o passo final para transformar essa história de amor e amizade em algo memorável e catártico.

Olhar Estrangeiro (2006)

 

Título original: Olhar Estrangeiro

Direção: Lúcia Murat

Sinopse: Baseado no livro de Tunico Amâncio, O Brasil dos Gringos, o documentário mostra a visão de diretores, roteiristas e atores internacionais sobre o Brasil, procurando desvendar os clichês que o cinema internacional perpetua a respeito do país.

Incrivelmente divertido. É o mínimo que se pode dizer desse mais novo exemplo de como o Brasil anda bem em termos de cinema documental. Olhar Estrangeiro traz um tema interessante e de conhecimento geral de 100% da população: o Brasil. Não como ele é, mas como os outros pensam que ele é.

Contando com entrevistas com atores e diretores internacionalmente reconhecidos, desde Jon Voight e Michael Caine ao diretor Zalman King (de Orquídea Selvagem), Lúcia Murat nos leva a um Brasil que existe somente na cabeça dos ‘gringos’. É realmente impressionante ver como alguns REALMENTE pensam (ou pensaram, antes de conhecer o país) que aqui as pessoas esquiam em jacarés, que o topless é lei nas praias do Rio de Janeiro, ou como se pensa que no Brasil ninguém trabalha. É, doze meses de férias.

Além dos diretores e atores envolvidos em produções cujo personagem principal era o Brasil, o enxuto e conciso documentário de Murat é permeado com depoimentos de pessoas desconhecidas, dos Estados Unidos, França e Suécia. O delírio deles é a nossa realização. Por muitas vezes o filme deixa de se tratar de um documentário para entrar no gênero comédia de cabeça, nos mostrando cenas bizarras dos mais variados tipos de filmes rodados no Brasil. Ou, como ficamos sabendo, muitas dessas produções que se passam nesse país não foram de fato filmadas aqui, e sim em lugares como a Flórida. As cenas citadas vão desde as conhecidas do grande público no trash-hit com Jon Voight e Jennifer Lopez, Anaconda, até imagens de Orson Welles, que foi o único cineasta que realmente se importou em filmar a realidade mas que, ironicamente, nunca teve seu filme finalizado.

Muito interessante é também ver a cara dos diretores, produtores e atores envolvidos nessas produções quando ficam sabendo da ‘terrível verdade’. Alguns reagem de forma meio arrogante, não voltando atrás em momento algum acerca de suas decisões do passado, enquanto outros morrem de rir ou ficam até mesmo envergonhados.

Certamente eles têm na cabeça o Brasil que os próprios brasileiros venderam (e continuam vendendo) para os outros países há séculos. E para isso infelizmente não há remédio. Enquanto isso, ficamos aqui nos divertindo com a ignorância alheia. Afinal, não é todo dia que se houve: “venha comigo para São Paulo para pegarmos uma praia.” Que país é esse?

Caché (2005)

 

Título original: Caché

Direção: Michael Haneke

Sinopse: Um dia Georges (Daniel Auteuil) e sua esposa Anne (Juliette Binoche) recebem uma fita de vídeo com imagens de sua casa, que fora filmada por uma câmara instalada na rua. Depois disso começam a receber desenhos sinistros. Assustado, o casal tenta descobrir o autor daquelas misteriosas ameaças que perturbam a paz de sua família. Logo percebem que quem os persegue conhece mais sobre o seu passado do que eles poderiam esperar.

Da França veio o aborrecimento. Estrelado por uma dupla fantástica, que está muito acima das qualidades desse filme, que, apesar de aclamado, é, como dito, aborrecido, arrastado e meio sem propósito. Daniel Auteuil (O Adversário) é Georges, que tem sua vida "ameaçada" por fitas que chegam a sua casa. O conteúdo, somente horas e horas de filmagens do exterior de sua própria casa, envoltos em desenhos sanguinolentos. 

A partir dessa premissa se desenvolve a trama de Caché, nos moldes de uma parte do cinema francês que é especialista em entediar o público. Com quase exageradas duas horas de duração, era pra ser um suspense formidável, já que parte de um ponto interessante: pessoas sendo ameaçadas pelo "nada". Obviamente que Georges tem algo a esconder (da mesma forma que seu personagem em O Adversário, outro longa desse molde aborrecido francês), e isso preocupa sua mulher, Anne (Juliette Binoche, de Chocolate e Palavras de Amor) e afeta o humor inconstante de seu filho pré-adolescente.

O interessante é ver como algo tão simples consegue derrubar e destruir toda uma família, somente pelo terror psicológico causado e pelo claro fato de que Georges está escondendo algo de sua família. Mas aí mora o grande defeito de Caché: somente quem conhece bem a história da França e da guerra desta com a Argélia poderá entender de verdade a causa do "problema no passado" do personagem. De outra forma, as razões pelas quais o personagem escondido (caché) parecerão completamente sem fundamentos ou sentido.

Fato é que a esmagadora maioria do público ignora esse fato e Caché se mostra não como um longa internacional, mas de aplicação limitada a seu país. E, mesmo aceitando e entendendo os fatos implícitos na história, pelo menos meia hora de enrolação deveria ser cortada para se obter um resultado mais ágil e fácil de ser engolido. Mas isso, definitivamente, não é a especialidade francesa no cinema, salvo raras exceções.

Ainda temos que lidar com um daqueles finais "abertos à interpretação do espectador", completamente irritantes. O que mais parece é que o diretor não sabia como terminar e deixou assim, com uma cena para a qual rolam na internet as mais variadas explicações – bizarras, por sinal. Poderia funcionar como em Flores Partidas de fato funcionou, se ao menos tivesse UMA explicação plausível, mas tudo falta em Caché, até mesmo uma mera explicação de por que um personagem está fazendo isso ou aquilo ou o por quê de um plano ser inserido ali de forma praticamente aleatória. Começa muito bem e interessante, se torna mediano e depois, um desastre. Um realmente um filme para quem tem paciência. E a minha com grande parte do cinema francês está se esgotando.

Free Zone (2005)

 

Título original: Free Zone

Direção: Amos Gitai

Sinopse: Rebecca, uma americana que está morando em Jerusalém há alguns meses, acaba de romper seu noivado. Ela entra em um táxi dirigido por Hanna, uma israelense. Mas Hanna está a caminho da Jordânia, para a Zona Livre, para buscar uma grande quantia de dinheiro.

O primeiro plano de Free Zone já diz tudo sobre o que será o filme. Longuíssimo, escutamos a uma música tradicional judaica enquanto vemos uma Natalie Portman chorando, olhando através de uma janela de um carro. O tempo, chuvoso. Nossas mentes, chuvosas.

Free Zone não foi feito para ser tragado pelo público em geral. Aliás, é para bem poucos. O novo trabalho do aclamado diretor israelense Amos Gitai conta o que primeiramente achamos se tratar de uma história simples: Hanna ben Moshe, que dirige um táxi, vai com uma americana perdida em seus sentimentos (Natalie Portman) para a Jordânia a fim de cobrar uma dívida. Provenientes de outro filme de Gitai, Alila, os personagens Hanna e Moshe (seu marido), têm negócios com a Jordânia (inclusive Free Zone foi o primeiro filme israelense a ser rodado na Jordânia). Obviamente uma americana iria atrapalhar as coisas.

Com algumas cenas tensas espalhadas em sua hora e meia, como a travessia da fronteira e depois as causas do não-pagamento da dívida, captam o interesse do espectador. Mas, como disse, o filme não é de interesse geral, desprovido de trilha sonora e inevitavelmente causa sono em certos momentos.

Após a chegada na Jordânia, Free Zone se concentra em nos mostrar a união e desunião (sim, ao mesmo tempo) de diferentes mulheres. Seja Hanna com Rebecca (Portman) ou com Leila (Hiam Abbass), conhecida como ‘a mulher do Americano’, que deveria pagar a dívida a Hanna ben Moshe. Mesmo o espectador sabendo que se trata de uma situação tensa, em vários pontos temos um humor discreto porém importantíssimo nesses relacionamentos e diálogos incrivelmente bem pensados.

O ponto alto de Free Zone é certamente a interpretação de Hana Laszlo (Hanna ben Moshe), uma atriz fenomenal que consegue nos fazer sentir à vontade mesmo se estivéssemos em problemas numa região fronteiriça israelense. Mas a partir de certo momento, Free Zone deixa de funcionar como deveria. Ao mostrar cenas do passado – Rebecca pensando – sobrepondo imagens do ‘pensamento’ dela com a viagem atual ao lado de Hanna, infindáveis planos, com a pequena presença de Carmen Maura, infelizmente desperdiçada aqui, o espectador definitivamente se cansa de ver aquilo.

Mais mal aproveitado é o encontro de todos com o Americano. Não vou contar o final do filme, mas também não seria nada demais. Assim como Free Zone começa, ele termina: no nada. O clímax é atingido no meio do longa e depois a tensão e emoção descem até atingir o nulo. No final das contas, saímos da sala de cinema com um sentimento de vazio. Mas vale a experiência só pelo gostinho de ver Hanna ben Moshe se aventurando perdida pelas estradas da desértica e pobre Jordânia.

O Fim e o Princípio (2005)

 

Título original: O Fim e o Princípio

Direção: Eduardo Coutinho

Sinopse: O documentário registra o cotidiano e as histórias dos moradores da pequena São João do Rio do Peixe, na Paraíba. Por meio de depoimentos, o filme retrata o sentimento de uma população humilde que esbanja alegria e esperança, além de apresentar as nuances de um nordeste de alma densa e fecunda.

Não seria correto afirmar que um dos mestres do cinema brasileiro, Eduardo Coutinho, “não é o mesmo de antes” ou “perdeu a forma”. Só se, obviamente, isso se tratar de algo muito repentino. Desde seus tempos de Rede Globo – ele sendo, aliás, uma das únicas coisas que eram boas em toda a história da péssima emissora – passando pelo Globo Repórter, ele nos tem presenteado com verdadeiras pérolas da arte do documentário. Um de seus grandes trabalhos com certeza foi Edifício Master, recentemente lançado em DVD duplo nas locadoras. Um trabalho magnífico de análise social que vale a pena ser visto.

Talvez o sucesso tenha subido à cabeça de Coutinho. Seu novo longa, O Fim e o Princípio, conta com a mesma premissa abordada em Edifício Master, com a mudança de que o filme não contaria com nenhuma espécie de roteiro previamente desenvolvido. Essa ideia poderia tranquilamente seguir adiante se não fosse o constante problema que o diretor apresenta com a edição de seus filmes. Parece que tudo o que é filmado é colocado na edição final do filme, sem cortes.

Se em partes de Edifício Master o público conseguia dar uns bons bocejos, isso é palavra de ordem em O Fim e o Princípio. A história não deixa de ser tão interessante quanto a do filme anterior, mas o público é derrotado pelos 110 minutos de documentário, mesmas pessoas e paisagens áridas do interior da Paraíba.

Teimo em dizer que o tempo ideal de um documentário beira, no máximo, uns 80 ou 90 minutos. É tempo suficiente para se contar tudo o que quer e mostrar tudo que se pensa. Documentários mais longos que isso tendem a ser enfadonhos e a não receberem boa resposta do público. Com a exceção de Fahrenheit 11 de Setembro (que não se trata de um documentário, e sim uma propaganda tendenciosa), que conta com mais de duas horas de projeção e, mesmo assim, foi o maior sucesso comercial na história do cinema documental, os últimos filmes do gênero que tenho assistido e se mostrado excelentes possuem menos de uma hora e meia, como o brasileiro A Pessoa É Para o Que Nasce e o francês A Marcha dos Pinguins, cada um com 85 minutos.

Pode parecer simples e superficial dizer isso, mas sim, a extensão de O Fim e o Princípio é a condenação do longa-metragem. As histórias das pessoas simples (e idosas) paraibanas são muito interessantes, com bons momentos aqui e ali espalhados por todo o filme. Se fosse editado da forma correta, com certeza seria mais um dos melhores (e inovadores, aí sim funcionando a proposta do diretor de “não haver direção ou roteiro”) documentários brasileiros dos últimos tempos.

Ponto Final: Match Point (2005)

 

Título original: Match Point

Direção: Woody Allen

Sinopse: O instrutor de tênis Chris Wilton se casa com a jovem Chloé para conseguir um cargo na empresa do sogro milionário, mas começa a traí-la com Nola Rice, a sensual noiva americana do cunhado, que ameaça expor o romance.

Woody Allen chega ao seu quadragésimo longa-metragem. Aclamado internacionalmente, indicado ao Oscar. Definitivamente não seria o ‘normal’ para Allen. E não é. Tudo o que vemos em Ponto Final é, a princípio, uma simples (e ao mesmo tempo complexa) história de amor, num triângulo amoroso que, inevitavelmente, pede por um grandioso clímax.

Devo dizer que é frustrante não somente não ter Woody aparecendo na tela, mas sua direção também é frustrante, especialmente para quem conhece (e gosta) do trabalho anterior do diretor ultra-novaiorquino. Para quem não se importa com isso, Ponto Final pode representar uma experiência e tanto. Allen não está muito à vontade fora de sua habitual Nova York, isso é certo. Por vezes o filme se parece mais com um vídeo demonstrativo do ‘como Londres é cool’ do que o filme introspectivo que se propõe a ser.

Ainda de acordo com minhas crenças, indicado ao Oscar significa qualidade  duvidosa. Não vou rotular Ponto Final como sendo ruim. Decididamente não é. Mas é um trabalho mediano e nada mais. Ok, Woody Allen finalmente mudou de história depois de quarenta anos. Bem, nem tanto. É a mesma história de amor, pelo menos na maior parte do filme, só que em Londres e não em Nova York.

Ponto Final ainda seria um pouco mais autoral e lógico se terminasse com um final... lógico. Sim, porque o estilo de filme nos propõe um tipo de finalização que não ocorre. E o plot-twist que deveria agradar ao espectador acaba por se demonstrar inverossímil. Passamos mais de uma hora conhecendo os personagens, nos entediando com várias cenas praticamente ‘repetidas’ para depois sermos jogados em personagens que ‘mudam de personalidade’ de repente. O pacífico Chris (Jonathan Rhys Meyers) de repente se transforma. Até mesmo a insossa Nola (Scarlet Johansson) começa a ser uma outra pessoa.

Enfim, no momento em que passamos a acreditar nos personagens, eles se  revelam outras pessoas, coisas impossíveis passam a acontecer e coisas do gênero. Certamente esse terceiro ato de Ponto Final é mais interessante que tudo o que nos foi apresentado anteriormente. Mas infelizmente tem um roteiro que se torna risível às vezes por seus diálogos-clichês mal colocados em personagens pessimamente construídos, como já mencionado, interpretados por um time de atores e atrizes sem competência. Todos têm a mesma cara, seja amando ou odiando. E isso não é um legítimo Woody Allen que valha aqueles clássicos créditos em preto com uma típica música novaiorquina de fundo. Volte para Nova York, Woody.

Bambi 2: O Grande Príncipe da Floresta (2006)

Título original: Bambi II

Direção: Brian Pimental

Sinopse: A história de Bambi crescendo sob os cuidados de seu pai, o Grande Príncipe da Floresta.

Longe de se parecer com qualquer uma das novas produções da Disney, Bambi 2: O Grande Príncipe da Floresta segue a fórmula de sucesso dos antigos sucessos do estúdio. É com gosto que fui ao cinema ver um filme em animação tradicional, um entre muitos blockbusters de computação gráfica que tomam conta dos cinemas nos últimos anos.

Certo, mesmo que todos saibam que as animações clássicas tradicionais da Disney sempre funcionaram, a mesma Disney é conhecida por ser péssima em produzir uma continuação de qualquer filme de forma "decente". São exemplos os decepcionantes O Rei Leão 2: O Reino de Simba ou Toy Story 2. O que dizer sobre uma continuação de um filme lançado originalmente há 64 anos atrás?

Tinha tudo pra dar errado. Tudo mesmo. Mas Bambi 2 é um acerto. A história do veadinho que perde a mãe atinge todas as faixas etárias, desde pessoas com quase 80 anos que eram crianças à época do lançamento até os mais jovens, como eu, que viram o filme nos cinemas em um de seus diversos relançamentos, ou em DVD (recentemente lançado em edição dupla especial pela Buena Vista).

Assim como o longa anterior, Bambi 2 não tem uma história em si. É menos trágico, claro, afinal, se mais alguém morresse, com certeza o personagem Bambi seria o personagem de animação mais dramático da história do Cinema. Bambi 2 é um filme singelo, que vale mais a pena para revermos os personagens tão queridos do passado antes de querermos analisá-lo como um filme sozinho, com uma história plausível e interessante.

O pai de Bambi, o Grande Príncipe, tenta achar uma nova ‘mãe’ para Bambi, visto que ele tem muitos afazeres em suas fiscalizações na floresta e não tem tempo para cuidar de seu filho. E a historinha é somente sobre as artes que Bambi e seus amigos (os cativantes Tambor e Flor, em especial) fazem durante esse tempo. E, obviamente que o pai de Bambi começa a se afeiçoar ao filho. Algumas cenas de ação, do pavor causado pelo Homem (certamente um dos maiores inimigos do Cinema, eleito até mesmo pelo American Film Institute como tal) que nunca aparece na tela, mas sempre ameaça a paz na floresta, não são tão marcantes quanto no longa de 1942, mas mesmo assim são funcionais.

Com algumas canções bem agradáveis, Bambi 2 certamente é mais do que o esperado para uma continuação da Disney. Uma exceção à regra que toda continuação é ruim e deve ser desprezada. Em cada fotograma podemos ver o carinho e a essência colocados no filme, os mesmos conceitos que Walt Disney fez questão de colocar no Bambi original. Essa continuação demorou quatro anos para ficar pronta e, certamente, a espera valeu a pena.

Syriana: A Indústria do Petróleo (2005)

 

Título original: Syriana

Direção: Stephen Gaghan

Sinopse: Muito petróleo significa muito dinheiro. Muito dinheiro mesmo. E este fato libera um esquema de corrupção que se estende desde Houston, passando por e Washington, até o Oriente Médio. E envolve industriais, príncipes, espiões, políticos, exploradores de petróleo e terroristas em uma teia mortal de ações e reações enganosas. Este thriller de ação inteligente e envolvente exige toda a atenção e os nervos do espectador, em intensidade narrativa que não permite descuido por um segundo sequer.

Todos estão louvando Syriana: A Indústria do Petróleo pelo seu cunho político e complexidade. Afinal, a moda é falar mal da política americana. E de tão complexo, o filme se torna uma experiência confusa e muito, muito arrastada. A paciência do espectador é testada aos limites, seja por estarmos vendo uma trama que nunca se desenvolve ou seja por tentar entender o que cada personagem está querendo fazer, coisa que raramente se explica em tela.

Talvez Syriana funcione melhor fora das telas do que nelas. Aliás, na tela, nada funciona. Onde está a tão aclamada ‘interpretação’ de George Clooney que lhe valeu a indicação ao Oscar? Ele só apanha e faz algumas coisas aqui e ali, sem tempo para interpretações. E por falar em apanhar, Syriana traz uma das cenas mais impressionantes de tortura que já vi. Ponto final. O filme seria só isso. Se em 2003 falaram que o Oscar de Melhor Atriz foi para Nicole Kidman só porque ela colocou um nariz falso, se Clooney ganhar o Oscar esse ano, será, com razão, meramente porque ele está usando uma barba, que não é de seu costume.

Muitas pessoas saíram da sala de cinema antes mesmo de se completar uma  hora de projeção. É isso que dá tentar bombardear as mentes do povo com fatos políticos completamente desinteressantes. E o pior, de forma aleatória. Existem modos e modos de se mostrar crítica política. Esse ano mesmo temos o excelente exemplo de Boa Noite e Boa Sorte, que trata de uma denúncia política, mas feita de forma ágil e concisa. Já Syriana não tem nada disso.

Por diversas vezes o filme tenta mostrar um pouquinho de drama, como em algumas cenas do personagem de Matt Damon (que também não acrescenta nada à história), mas o cunho é quase em sua totalidade político, textualmente e graficamente desinteressante. Vários outros longas, como JFK: A Pergunta Que Não Quer Calar, também eram 100% políticos, entretanto, prendiam o espectador, o que nunca acontece aqui, visto que o grande número de personagens em histórias confusas e independentes nunca parecem chegar a lugar algum.

O diretor Stephen Gaghan (roteirista do aclamado Traffic) é o grande culpado de Syriana ser esse monte de fotogramas sem sentido. Para os antiamericanos de plantão, esse filme será considerado uma obra-prima, já que qualquer mínima coisa que mostre algo ruim dos EUA é considerado um marco no cinema (assim como o pavoroso e tendencioso Fahrenheit 11 de Setembro). Um aviso para quem não quer se entediar: não vá assistir a Syriana. Ou, se você sofre de insônia, pegue a última sessão do dia e bons sonhos!

O Segredo de Brokeback Mountain (2005)

 

Título original: Brokeback Mountain

Direção: Ang Lee

Sinopse: Um conto de amor sobre o relacionamento de dois jovens, Ennis Del Mar, um rancheiro de Wyoming e Jack Twist, um vaqueiro de rodeio, que se encontram no verão de 1963, e nos anos seguintes lutam secretamente para entender e se manter o amor que nutrem um pelo outro.

O Segredo de Brokeback Mountain pode funcionar de diversas formas, mas definitivamente não funciona como um romance tradicional, só alterando os protagonistas – dois homens. Bem, essa é a forma que o filme foi vendido (e aclamado) mundialmente.

Tecnicamente espantoso e artisticamente muito falho. Todos estão indo na onda de que o filme é perfeito. Longe disso. Ang Lee conseguiu nada mais do que um trabalho mediano. Explico porque. A premissa era justamente ser ‘mais um filme de amor’. Pois eis que O Segredo de Brokeback Mountain se mostra um filme de amor inverso: começa com uma cena de grande impacto e vai declinando, declinando, declinando... até chegar ao fundo do poço, num final previsível, ao final de longuíssimos e intermináveis 134 minutos.

Indiscutivelmente mereceu pelo menos duas das indicações que recebeu ao Oscar: Fotografia e Trilha Sonora Original. Mas, como já mencionei, a parte artística é tão simplória que chega a irritar: Heath Ledger faz um cowboy que reprime seus desejos interiores. Mas reprime tanto que nem dá pra se notar quais desejos são esses, resultado de uma interpretação equivocada. Chama mais a atenção o que ele tinha dentro da boca (estranhamente inchada) e o modo como fala pra dentro do que realmente a sua ‘interpretação’. Jake Gyllenhaal não está melhor aqui do que em outros papéis como em Donnie Darko ou até mesmo no recente Soldado Anônimo (injustamente desprezado aqui no Brasil). O destaque das atuações deve-se a Michelle Williams, melhor do que os dois cowboys principais juntos. Sua personagem, Alma, é na verdade o centro e a causa de tudo que acontece (e não acontece) no longa.

A falta do impulso inicial do amor, dos detalhes que fazem a diferença antes do sexo em si é o que estraga O Segredo de Brokeback Mountain logo no primeiro ato. O filme contribui para o pensamento geral da população de que os gays são criaturas depravadas, taradas e maníacas sexuais. O que tanto se falou antes da estreia desse filme, que mostraria que gays amam igual aos heterossexuais, não foi mostrado aqui. Pelo menos eu não vi nada disso. Ao contrário, o que chama a atenção – desviando o espectador da história – é como eles se atracam na tenda, como se atracam na escada (e como, após vinte anos, eles não envelhecem!), enfim, como se pegam em vários lugares (como dito, à medida que o tempo passa, cada vez de forma mais branda) e o amor raramente aparece. Sim, raramente. Ele não é nulo, aparece, mas SEMPRE no personagem Ennis Del Mar (Ledger).

Não é perturbador, não é inovador, mas, como explicado, também não é ‘mais do mesmo’. Difícil descrever O Segredo de Brokeback Mountain. É um filme bonzinho, na média, não melhor que outros trabalhos de Ang Lee. Não merecia esse alarde todo que está sendo feito e faz pior: faz o grande público (não-homossexual) continuar com a imagem ‘estranha’ ou ‘errada’ que tem dos gays. Oito indicações ao Oscar soam como algo completamente absurdo. Resumindo, Muito Barulho Por Nada.  

Edison: Poder e Corrupção (2005)

Título original: Edison

Direção: David J. Burke

Sinopse: Na promissora cidade de Edison, o ambicioso repórter investigativo em início de carreira Josh Pollack descobre fraudes na maior unidade de polícia da região. Enfrentando a resistência de seu editor Moses Ashford, ele acaba demitido por tocar no ponto nevrálgico que é a corrupção dentro do sistema de combate ao tráfico de drogas. Sem ter como sustentar a história, Pollack precisa se aliar ao promotor local Wallace, que aceita aprofundar essa investigação.

O que mais chama a atenção em Edison? "Nossa, quantos atores de renome!" Exatamente. Vemos Morgan Freeman e um cabeludo Kevin Spacey. E... Justin Timberlake. É, o ex-NSync é o principal personagem desse longa, ao lado de LL Cool J. Tudo de mais bizarro está aqui. Conta até com a participação de um (dos milhares) representante da família Wayans (de As Branquelas – sem comentários).

         Sabe-se lá o que o péssimo diretor David J. Burke tinha em suas mãos para ameaçar Freeman e um ridículo Kevin Spacey, e os convencer a participar dessa abominável produção. Tudo em Edison é de mau gosto: lutas absurdas, centenas de tiros sendo disparados na cara dos personagens sem que ninguém (importante) seja atingido, ou assassinatos graficamente violentos sem necessidade.

         A cidade fictícia de Edison (apesar de obviamente filmado em Vancouver, em nenhum momento isso é escondido do público) era uma cidade onde a violência imperava. Atualmente, a violência fica por conta da polícia extremamente corrompida da problemática cidade. É por causa de um desses casos de corrupção que o jornalista de um pequeno periódico, Pollack (Timberlake), começa a farejar que algo de errado está acontecendo. Enfim, isso só serve para nos mostrar muito sangue e um herói patético vivido pelo ex-boy band. O mais impressionante é que Timberlake nem estão TÃO mal assim como era de se esperar. Sua parca atuação é culpa de um roteiro sem pé nem cabeça (escrito pelo mesmo Burke), e isso afeta não só ele mas até mesmo os veteranos e consagrados atores.

         Morgan Freeman é Ashford, o diretor do jornal onde o entusiasmado (e imbecil) Pollack trabalha. Freeman nada mais faz do que beber e dar uns gritos em todo o tempo de projeção. E Kevin Spacey... o que falar? A peruca pavorosa que ele usa chama mais atenção do que qualquer uma das poucas coisas que pronuncia ao longo de 97 minutos de pura bobagem.

         Burke usa alguns aspectos de filmagem que são nulos em estilo e elegância. Planos simplesmente pavorosos, como a insistência em focar dois personagens distantes um do outro em uma imagem só: um Spacey sempre de perfil a la Rede Globo, ou seja, uma cara gigante que preenche metade da tela e um Freeman perdido no fundo da cena. Totalmente deselegante e, como já mencionado, desnecessário, é a frequente aula de anatomia que o diretor nos proporciona com cérebros explodindo por todos os lugares.

         Certamente tudo deveria ser relevado se Edison fosse feito para ser uma comédia. Mas não serve nem para isso. Em alguns momentos chegamos a rir do que acontece na tela. E isso, sinceramente, não é um bom sinal. Vemos o esforço dos atores em demonstrar serviço independentemente da horrorosa direção (e até de Justin Timberlake, acreditem!), mas tudo é feito em vão. Principalmente a ida ao cinema para ver essa bomba.

Boa Noite e Boa Sorte. (2005)

 

Título: Good Night, and Good Luck.

Direção: George Clooney

Sinopse: Ambientado nos Estados Unidos dos anos 50, durante os primeiros dias de transmissões jornalísitcas, o filme conta os conflitos reais entre o repórter televisivo Edward R. Murrow e o Senador Joseph McCarthy. Desejando esclarecer os fatos ao público, Murroe e sua dedicada equipe desafiam seus patrocinadores e a própria emissora para examinar as mentiras e amedrontadoras táticas perpetradas pelo Senador durante sua "caça às bruxas" comunista.

Enfadonho para muitos, uma obra-prima para alguns. A nova incursão de George Clooney na direção é um acerto por completo. Ao contrário do que possa parecer, Boa Noite e Boa Sorte não é um filme pequeno de interesse restrito. É mais do que certo que a grande maioria do público brasileiro não vivenciou e conviveu com as atitudes insanas do senador McCarthy nos anos 50 nos Estados Unidos. Mas alguém com o mínimo de imaginação pode imaginar o que isso representava à época.

Boa Noite e Boa Sorte é, antes de tudo, um grande exercício de estilo, com uma direção impecável (ponto para Clooney depois de Confissões de uma Mente Perigosa), fotografia igualmente impressionante e uma edição que, de tão boa, não foi indicada ao Oscar, como é de praxe acontecer. Clooney fez um pseudodocumentário nessa fita. Ágil e instigante, nos transporta para cada momento daquela época em que a sala de produção da CBS para o programa de TV de Edward Murrow era um planejamento de guerra. Uma guerra a favor da liberdade de expressão, que estava sendo tão mutilada por Joseph McCarthy.

Artisticamente absoluto e único. Estamos na produção do programa e sentimos o que Murrow sente. Respiramos fundo a cada vez que ele fala "boa noite e boa sorte" e ficamos aliviados a cada "encerrado" que o jornalista Friendly (interpretado por Clooney) fala a cada final de programa. Cada programa, uma bomba em McCarthy. 

Certamente o melhor do longa se encontra nessa sensação de pseudodocumentário. A forma com que os atores – um elenco surpreendente, por sinal – interagem com as imagens de arquivo que são inseridas ao longo da projeção é incrivelmente real, se devendo ao impressionante trabalho de montagem aliado a um roteiro sem furos e digno de Oscar (pena que provavelmente não irá ganhar). De todo o elenco, David Strathairn se sai um perfeito Edward Murrow, tenso a cada programa que ia ao ar, fumante inveterado que levou a frente seus pensamentos sem medo das consequências, diferentemente de seu companheiro de emissora, Don Hollenbeck (também perfeitamente interpretado por Ray Wise). 

Pode-se dizer que Murrow venceu. E assim como Clooney, que fez dessa simples (e ao mesmo tempo complexa) história uma pequena obra-prima. Que, infelizmente, poucos darão o valor que realmente tem.

Memórias de uma Gueixa (2005)

 

Título original: Memoirs of a Geisha

Direção: Rob Marshall

Sinopse: Chiyo foi vendida a uma casa de gueixas quando ainda era menina, em 1929, onde é maltratada pelos donos e por Hatsumomo, uma gueixa que tem inveja de sua beleza. Acolhida por Mameha, a principal rival de Hatsumomo, Chiyo ao crescer se torna a gueixa Sayuri. Reconhecida, ela passa a desfrutar de uma sociedade repleta de riquezas e privilégios até que a 2ª Guerra Mundial modifica radicalmente sua realidade no Japão.

- "Sayuri, tudo que eu fiz foi porque sempre te amei!"

- "Oh, eu também sempre te amei!"

Só faltou aparecer "FIM" e a Glória Perez agradecendo a todos os envolvidos na produção de mais um sucesso de audiência da TV. Memórias uma Gueixa é isso: pura novela das oito. Se à época do lançamento de Olga nos cinemas brasileiros os críticos reclamavam de que Jayme Monjardim deu um tom um tanto quando ‘novelesco’ à história da personagem-título, o que dirá de Rob Marshall, o queridinho de Hollywood  que estreou no cinema já com o Oscar de Melhor Filme pelo irregular Chicago e agora nos apresenta a saga de uma prostituta (quer dizer, gueixa) ao longo dos anos.

A diferença é que talvez Olga se encaixasse nas produções da Rede Globo e Memórias de uma Gueixa, no SBT, com direito à dublagem dos personagens e tudo. O filme tem um início que engana o público. Parece que a história vai vingar, mas não. Artisticamente falando, a única coisa que está boa é a estreia em um papel principal da pequena Suzuka Ohgo como a aspirante-forçada a gueixa Chiyo. E só. E tecnicamente, sim, o filme é o que realmente dizem (e “uau, concorre a vários Oscar!” – ironia), tem uma fotografia belíssima, ainda que restrita a poucas cenas, uma montagem interessante, ainda que restrita a poucas cenas, uma trilha sonora interessante, ainda que restrita a poucas cenas, uma direção de arte interessante, ainda que restrita a poucas cenas... cansou de ler a mesma frase uma vez atrás da outra? Isso é pra exemplificar exatamente como é a sensação de assistir às intermináveis duas horas e vinte e cinco minutos de novela mexicana, quer dizer, japonesa, quer dizer, chinesa, de Memórias de uma Gueixa.

Por que essa confusão? Por que chinesa? Eu, desavisado, estava percebendo algo ‘errado’ desde o início da projeção. É, não só as ruas (e as bicicletas), montadas pela direção de arte desse filme nos fazem estar dentro de uma cidade da China, mas bem como as principais atrizes – todas chinesas. É nesse momento que o espectador que sempre falou que “orientais são todos iguais” vê que estava redondamente enganado. Com certeza o Japão não está com escassez de atrizes para suprir a necessidade de uma produção como essa. Infelizmente temos que aturar essa ‘mentirinha’ por mais de duas horas, rolando no assento do cinema à espera de uma sorte que não vem, de um final inesperado que nos livre de toda a tortura que esse filme represente.

O mestre John Williams se salva em alguns bons momentos de trilha – poucos, por sinal. Apesar de sua indicação dupla ao Oscar, o verdadeiro destaque em seu trabalho nesse ano é em Munique, com uma trilha muito mais pensada e adequada do que essa comum, cheia de clichês (sim, até na música).

Personagens maus são extremamente maus, sem pedir nada em troca.  Personagens bons são extremamente bons, mas imbecis. A profundidade é nula em qualquer personagem da trama. Se é que existe uma trama, a não ser a parca historinha de como uma menina se transforma em uma prostituta de luxo, pela qual os homens interessados fazem um leilão a fim de desvirginá-la. Para quem não conhece esse processo de formação de gueixas (como eu e 99% da população brasileira), o filme deixa bem claro que elas são tão prostitutas quanto aquelas que elas mesmo abominam em alguns pontos do filme.

No final das contas, Memórias de uma Gueixa dá sono e cansaço. Se for pra assistir a novela malfeita, tenho SBT em casa mesmo pra isso, não preciso ir ao cinema. E vem cá, aquela lente de contato azul não engana ninguém.

Stoned: A História Secreta dos Rolling Stones (2005)

 

Título original: Stoned

Direção: Stephen Woolley

Sinopse: Uma crônica da vida sórdida e da morte suspeita de Brian Jones, cofundador dos Rolling Stones, que foi encontrado no fundo de sua piscina semanas após ser demitido da banda.

Não sendo fã doente dos Rolling Stones, nem sabendo a fundo a história deles, fico limitado a analisar essa obra como mais um filme. Morte misteriosa? Drogas? Assassinato? Parece que esse é (ou era) o enigma que ronda a morte de Brian Jones, um dos fundadores (e autointitulado líder) dos Stones, nos anos 60.

Dirigido pelo estreante Stephen Woolley, que já produziu outro filme de rock e já clássico, Backbeat: Os Cinco Rapazes de Liverpool, sobre, coincidentemente, a morte de um dos membros de outra banda, os Beatles, também nos anos 60, erra um pouco a mão na história de Jones, que se arrasta um pouco e agrada somente aos fãs obsessivos da banda.

O longa só se interessa em mostrar as loucuras (ou excentricidades, como queiram) do roqueiro, mas de forma muito confusa para quem não é familiar com a história. Muitos vai-e-vem no tempo deixam a cabeça do espectador ‘normal’ confusa e meio perdido nos acontecimentos. Mais uma vez aparece na tela de forma excelente Paddy Considine, o grande ator britânico da vez em filmes independentes (Terra de Sonhos, Meu Amor de Verão), que interpreta o pedreiro que, a princípio, iria somente fazer algumas reformas na antiga casa de Brian Jones (Leo Gregory, também muito bom), mas que de alguma forma acaba se tornando amigo do músico, até, no final das contas, assassiná-lo.

Excessos de cenas repetidas, desnecessárias, de nudez sem propósito, aos moldes de 9 Canções, mas não contando com sexo explícito como no filme citado, como Brian Jones dormindo aqui e ali (e uma câmera focando BEM ali) ou então de um Mick Jagger (Luke de Woolfson, muito parecido com o Jagger real) igualmente nu. Drogas, drogas, drogas, drogas e mais drogas. Uma hora perdemos a paciência com essa história tão repetitiva e pensamos ‘ok, já entendemos que ele usava todos os tipos de drogas’. Uma cena de sexo e uma cena de uso de drogas serviriam. Mas aí o filme teria somente uns 20 minutos e nada mais.

Justamente por essa montagem não linear que aqui se torna completamente inútil é que o filme desmorona. O espectador mediano perde o interesse fácil, fácil pela história, visto que já sabemos qual será a conclusão. A cena é mostrada no início e, depois, no final, a revemos novamente em sua integridade. Mais uma coisa desnecessária.

Stoned é um conjunto de pequenos detalhes que, apesar de cumprir seu papel e deixar bem claro para o público leigo quem foi Brian Jones e como era sua relação com seus companheiros de banda (especialmente com Keith Richards), irrita em vários momentos e nos deixa com uma sensação de estafa ao final. Mas, se o papel era nos fazer simpatizar com a ‘causa’ de Jones, o filme é extremamente falho, pois é, no final das contas, o pedreiro Frank que acabamos ‘apoiando’, e quase nos sentindo aliviados de ver como ele corajosamente conseguiu se livrar do estorvo que Jones parecia ser.

Wolf Creek: Viagem ao Inferno (2005)

 

Título original: Wolf Creek

Direção: Greg McLean

Sinopse: Liz Hunter (Cassandra Magrath) e Kristy Earl (Kestie Morassi) são duas mochileiras inglesas que estão em meio a uma viagem, juntamente com Ben Mitchell (John Jarratt). Ao chegar no Parque Nacional Wolf Creek, eles observam a paisagem da 2ª maior cratera do mundo. Quando decidem ir embora enfrentam problemas, pois seus relógios e o carro param de funcionar. É quando recebem a ajuda de um caminhoneiro, que passa pelo local e lhes oferece carona. Porém o que eles não contavam é que seriam levados a um acampamento localizado em uma mina abandonada, onde a viagem do trio se transforma em um grande pesadelo.

Wolf Creek: Viagem ao Inferno parece (mas não é) um novo O Massacre da Serra Elétrica. Bem inferior ao filme americano, esse longa australiano não traz nada de novo ao espectador. São somente as mesmas cenas de terror que já conhecemos. Esse filme parece uma coletânea de cenas de filmes já feitos anteriormente, desde o próprio Massacre, passando por Jogos Mortais ou qualquer outro filme do gênero que você conseguir imaginar.

Prova de que é mais do mesmo: um grupo de jovens (clichê #1) vão de carro, sozinhos (clichê #2) para um lugar isolado do mundo, no interior (clichê #3) para conhecer a famosa cratera que dá nome ao filme, mas lá o carro apresenta problemas e deixa de funcionar (clichê #4). Aparece então, no meio da noite, um homem que parece bonzinho e está os ajudando (clichê #5), mas que, no final das contas, é um maníaco que quer matar a todos (clichê #6).

Esse conto de seis medíocres clichês pelo menos se mantém. Não é uma desgraça completa pois seu roteiro é até bem amarrado e realmente proporciona cenas que assustam o espectador desavisado. É bem aquele tipo de ‘sei o que vai acontecer, mas mesmo assim me assusto’. Bem, isso é ponto positivo para Wolf Creek, já que vemos por aí uma quantidade imensa de filmes de terror que não conseguem dar o menor susto (vide o pavoroso Escuridão).

Chama a atenção também o fato de que Wolf Creek se difere da maioria dos filmes de terror em um ponto: a apresentação dos personagens, parte mais que obrigatória em qualquer longa de terror com adolescentes, é bem extensa. E também o número de pessoas. Aqui são só três (duas meninas e um rapaz) que irão confrontar o serial killer, e não uma gangue enorme (como, por exemplo, em A Casa de Cera), o que limita o desenvolvimento do já manjado estereótipo desse tipo de fita. Ao ‘perder tempo’ traçando a personalidade de cada um, conseguimos ver, em nossas mentes, praticamente o futuro de cada um ao término da hora e meia de tortura nas mãos do psicopata Mick Taylor (John Jarratt, que não apresenta nada de mais). Mas aí é que está o engano. E, por consequência, o primeiro não clichê de Wolf Creek, e, talvez, sua maior virtude. O que pensamos está errado.

É no terceiro ato que nos damos conta que o filme está tomando um rumo diferente do que imaginávamos, e o interesse do público aumenta à medida que o final se aproxima. Mas o timing está um pouco fora de lugar e esse pseudo-plot twist não funciona da maneira como deveria ser. Mas é o suficiente para fazer de Wolf Creek uma total perda de tempo uma experiência ao menos... satisfatória.

A Garota da Vitrine (2005)

 

Título original: Shopgirl

Direção: Anand Tucker

Sinopse: Baseado no livro best seller de Steve Martin, "A Garota da Vitrine" (Shopgirl) é uma história de amor engraçada e comovente nos tempos modernos. O filme mostra três vidas de pessoas em trajetórias diferentes em busca de uma coisa em comum. Mirabelle (Clair Danes) é uma garota simples que trabalha numa loja de luvas quase sem movimento na Saks Fifth Avenue em Beverly Hills. Uma artista que faz o possível para pagar o mínimo do cartão de crédito e os empréstimos para estudantes, ela vai se mantendo assim até que um dia se vê atraída por um cinquentão rico e bonito que se chama Ray Porter (Steve Martin). Ao mesmo tempo Mirabelle está sendo paquerada por Jeremy (Jason Schwartzman), um solteiro nem tão refinado ou bem sucedido quanto Ray. Quando o destino chega, pode não ser tudo como nos contos de fada, porque no final das contas... a vida é assim.

"Relacionamentos nem sempre caem como uma luva." A tagline desse romance um tanto quanto inusitado por várias razões "cai como uma luva" na produção. Produzido, escrito e estrelado por Steve Martin, baseado em seu próprio livro (ufa!), A Garota da Vitrine é bem simplório, por algumas vezes um pouco duvidoso quanto à sua validade, mas o tom geral é de aprovação. Um filme bem simpático.

É mais um filme com narração em off, do próprio Steve Martin (nossa, ele REALMENTE é onipresente nesse filme). Filmes de romance com narradores escondidos costumam ser uma fria, é uma clara indicação da superficialidade e clima de "mais do mesmo". Mas A Garota da Vitrine é completamente verossímil e consegue aproveitar todos seus 104 minutos sem rodeios.

Mirabelle (interpretada por Claire Danes, com uma interpretação mediana, longe de sua esplêndida atuação em A Bela do Palco, por exemplo, mas adequada) é uma vendedora de luvas (!) na Sak’s Fifth Avenue em Los Angeles. Ou seja, ela pouco trabalha. Sente-se sozinha naquele balcão que poucos param para olhar. Ela acaba por conhecer o quase trash Jeremy (Jason Schwartzman, de A Feiticeira e Huckabees: A Vida É uma Comédia) e força um relacionamento com ele, com o claro intento de não ficar sozinha. Mas um dia aparece Steve Martin (mais uma vez!), um homem muito rico que se encanta por ela. Mas nada é perfeito. E é sobre essa não-perfeição o ponto-chave do longa.

Mais interessante do que parecia logo de cara, vemos a jornada de cada personagem em busca do que realmente quer. Cada um terá um destino, totalmente diferente do que o espectador mais premonitório pudesse imaginar. Claro, existem grandes clichês, principalmente na parte final do filme, mas esses mesmos clichês são trabalhados bastante e nos são apresentados de uma forma bonita, plausível. E aí que a narração em off de Martin tem um papel importantíssimo. Milagrosamente ela consegue envolver o espectador de tal forma de acabamos fazendo uma fusão da voz dele com Ray Porter (seu personagem no filme) e, de certa forma, somos até empáticos com ele, mesmo que suas intenções por vezes sejam bem duvidosas.

A surpresa da vez é (mais uma vez!) Steve Martin, que, acreditem ou não, consegue ter créditos como ator dramático. Talvez porque ele, mais do que qualquer outro, conheça o personagem Ray Porter e saiba dar o tom exato a ele. Martin está melhor aqui do que em todas suas últimas dez produções juntas elevadas ao quadrado. Seguramente ele deveria seguir por essa linha e passar a ter reconhecimento, ser levado Aa sério", o que é bem difícil nesse momento da vida, já que sua imagem será constantemente associada a seus ‘clássicos’ cômicos (Parenthood, O Pai da Noiva etc).

A Garota da Vitrine é isso: simples e agradável. Recomendado mesmo para quem não gosta de filmes de romance. Vale dizer que Steve Martin está preparando mais um filme, dessa vez baseado em uma peça sua, Picasso at the Lapin Agile, cujo roteiro também será escrito por ele... e estrelado por ele também (!). É, realmente Steve Martin está com tudo.

O Sol de Cada Manhã (2005)

 

Título original: The Weather Man

Direção: Gore Verbinski

Sinopse: Apresentador da previsão do tempo ,em Chicago, recebe oferta de trabalho em uma rede de TV ,em NY. Mas, ele é divorciado e, antes de se mudar para a Big Apple, terá de resolver uma série de problemas com a ex-mulher e os filhos.

A vida normal de uma pessoa normal que tem problemas normais como nós, normais. Esse é Dave Spritz, o homem do tempo de uma rede de TV baseada em Chicago. Sua vida está para mudar. Em algumas áreas, pra melhor: uma chance de emprego em Nova York, para receber mais de um milhão de dólares por ano. Já em outras, pra pior: seu pai está morrendo.

O Sol de Cada Manhã é composto de pequenos grandes momentos que, juntos, formam uma composição memorável de uma simples vida. E, principalmente, da solidão. Nicolas Cage carrega esse filme quase que por completo sozinho, contrabalanceado por uma performance surpreendente (e comovente) de Michael Caine, na pele do pai de Dave, que está morrendo.

Através da constante narrativa em off de Dave, sabemos tudo o que ele pensa no seu mais profundo interior e todo o por que de suas ações. Somos, dessa forma, imersos na mente de um personagem que poderia ser qualquer um de nós. Desprovido por completo de clichês, o que acontecerá no minuto seguinte em O Sol de Cada Manhã é imprevisível. Até mesmo porque, ao mesmo tempo que tudo na vida de nosso ‘herói’ é comum e familiar para todos nós, o inverso acontece. Ele tem uma vida fácil, como o próprio diz, trabalha duas horas por dia na leitura do prompter e tendo um pouco de carisma forjado para ser simpático com o público, sempre sorridente.

Mas essa é a vida de Dave na tela. Fora dela, ele é ridicularizado pelas pessoas, que sempre atiram alimentos (!) nele. Sua vida familiar, um desastre. Apesar de fazer de tudo para se dar bem com sua ex-mulher, seus esforços são em vão. O mesmo acontece com sua filha. Os únicos familiares com quem ele consegue interagir, mesmo que pouco, são seu filho e seu pai que está prestes a morrer.

Cage consegue fazer um personagem que conquista a empatia do público, que compreender completamente sua imensa solidão e suas tentativas desesperadas de conseguir o afeto dos que estão perto dele. Prova de que um filme não precisa de uma história magnífica e original para ser sensível e beirar a perfeição, cinematográfica e emocional. Dirigido com esmero por Goran Verbinski, um diretor diferente a cada nova produção. É, o mesmo diretor desse magnífico drama introspectivo dirigiu coisas completamente diferentes, como Um Ratinho Encrenqueiro, A Mexicana, O Chamado e está no comando da trilogia de Piratas do Caribe.

O mais incrível é como o humor é presença constante nesse longa, mesmo em cenas completamente dramáticas. Rimos por falta de outra opção. Rimos pelo desespero. Rimos pelo que acontece não só com Dave, mas com todos nós. Rimos, mas também choramos. Um filme como poucos, que de certa forma nos dá algumas razões para pensarmos e encararmos de uma outra forma os nossos dias que se passam e ‘o sol de cada manhã’. Porque afinal nós todos somos um pouco ‘homens do tempo’.